Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования города Новосибирска «Детская музыкальная школа № 6»
Методическая статья на тему:
««Путь к воплощению» художественного образа музыкального вокального произведения на занятиях вокалом в ДМШ и ДШИ»
Выполнила:
Лавская Ю. С.
Преподаватель
г. Новосибирск
2022 г.
Введение
Создание художественного образа и исполнительская интерпретация занимают одно из важнейших мест в комплексной программе по формированию профессиональных качеств музыкантов-исполнителей –целью которого является сформировать у учеников умение профессионально осуществлять исполнительскую интерпретацию музыкальных вокальных произведений.
Ученик-исполнитель должен иметь ясное и четкое понимание взаимодействия художественных средств, выразительных возможностей элементов музыкальной речи, законов формообразования; быть способным проникнуть в существенные для каждого автора проявления стиля. Все эти качества, сформированные в результате аналитической деятельности, уточняют и заостряют восприятие музыки, расширяют интеллект и служат достижению главной цели вокально-исполнительского искусства – созданию художественного образа. А также помогают самостоятельно ориентироваться в форме и музыкальной речи произведения, аргументировать собственное «виденье» художественно-образного содержания вокального произведения, обосновывать его индивидуальную трактовку, отмечать определенные приемы исполнительской интерпретации.
МУЗЫКА КАК ВИД ИСКУССТВА
Музыка – особенный, прекрасный вид искусства, эстетика которого формируется художественной атмосферой эпохи и влияет на эмоциональную сферу человека. Предмет музыки имеет особые специфические черты: не все в окружающей действительности и в человеке интересует ее в равной степени. Известно, что излюбленным предметом музыки является душевная внутренняя жизнь человека. Изображение внешнего облика людей и явлений живой и неживой природы всегда занимало в ней хотя и важное, но все же недостаточно значительное место. Музыка, создавая картину, воздействует на слушателя через воссоздание человеческих характеров и выражение чувств.
Поэт и композитор, воплощая чувства и настроения (свои либо другого человека), создают его «эмоциональный портрет». Эмоции, чувства, настроение – они выражают внутреннее состояние субъекта (автор) и его отношение к объекту (живое или не живое).
Общаясь с другими людьми (выходя на сцену), мы делимся нашими представлениями, понятиями, эмоциями. Чтобы передать «информацию» о содержании нашей психики, нужно материализовать представления, понятия и эмоции, т.е. выразить их в такой форме, которая может быть воспринята зрением или слухом. Каждое психическое явление воплощается в виде материальной формы, выработанной человеческой практикой: представление материализуется в изображении, понятие – в слове (интонации голоса), а эмоция – в «выразительном движении» (жест, мимика).
Вокальная музыка (и другие синтетические виды искусства: театр, кино и т.д.) использует еще и текст, таким образом, выражая понятия и эмоции. Представления в музыке материализуются звукоизображением. Наш индивидуальный опыт полностью никогда не совпадает с индивидуальным опытом автора звуковых образов, так как у каждого возникают свои картины.
В музыке широко используется прием ассоциации. Например, чтобы создать представление о лесе, достаточно композитору воспроизвести пение птиц, а звук пастушьего рожка ассоциируется с полем. Так поступил Г. Свиридов в начале четвертой части поэмы «Памяти С. Есенина» («Молотьба»). Он использовал только один музыкальный ход пастушьего рожка – и все остальные «атрибуты» картины моментально стали понятны слушателям. Однако, изображение на основе ассоциативных представлений, все равно, является условным. Итак, мы видим, что музыка, не описывая реальные предметы, может вызывать у слушателя зрительные представления на основе ассоциации. Основной путь отражения действительности в музыке – выражение ЭМОЦИЙ человека. Музыка отображает не представление о материальных предметах, а порожденные этими предметами чувства, настроения и эмоции.
Как же передаются ЭМОЦИИ в музыке? Если в реальной жизни чувства и настроения человека выражаются выразительными речевыми интонациями и движениями (при эмоциональном возбуждении любые жесты приобретают большой размах, ритм их учащается, интонации голоса возрастают в динамике и становятся высокими), то отсюда возникает возможность передать эмоции в музыкальном искусстве голосом (используя выразительные вокальные средства), мимикой и жестом. Способ передачи ПРЕДСТАВЛЕНИЙ осуществляется при помощи словесного языка.
Язык – универсальное средство общения людей. Слово – это материальная форма существования ПОНЯТИЙ. Язык непосредственно выражает любые, в т.ч. самые отвлеченные мысли и понятия (рассуждения, выводы). Язык используется в искусстве с целью воплощения представлений (т.е. изображение материального мира). Словом также можно выразить эмоции. От едва заметных до глубоких. Однако, в вокальном искусстве, как и в жизни, эмоции выделяются с наибольшей точностью и полнотой не в словах, а в интонациях речи (вокальных), в выразительных движениях. Эту точку зрения подтверждает наука: «Полнота конкретного чувства наиболее адекватно проявляется не в понятиях, как это свойственно мыслям, а в образах. Этим языком образов в совершенстве пользуется искусство» / П. Якобсон. Психология чувств. - М., 1958. - С.50/. Словесная речь не только описывает эмоции, но и при помощи интонации выражает их. Следует сказать еще о выражении в искусстве особого чувства – эстетического (наслаждения, волнения, чувства прекрасного), вызванного созерцанием красоты реальной действительности или художественного, музыкального произведения. Один из источников эстетического чувства при восприятии произведения – содержание, другой источник появляется в процессе создания произведения, точнее, в процессе воплощения (материализации) его содержания. Этот источник – форма. Источником эстетического наслаждения служит не просто красивая форма, а лишь та, которая наилучшим способом воплощает прекрасное содержание.
«Технологический арсенал» вокалиста на пути создания художественного образа музыкального вокального произведения.
ИСПОЛНИТЕЛЬСКАЯ ИНТЕРПРЕТАЦИЯ. ЕЕ СУЩНОСТЬ, ЗАДАЧА.
Музыка, в отличие от других видов искусства (например, изобразительного), нуждается в акте вторичного творческого отображения, в посредничестве исполнителя между автором и слушателем. Именно творческого отображения, поскольку исполнитель привносит уже свое видение образа, интонационной окраски вокальной линии произведения и т.д. Точное же исполнение нотного текста – это еще далеко не искусство.
В процессе исполнения, музыкальное произведение (песня, ария, романс и т.д.), существующее в виде нотной записи, получает свое реальное звучание. Оно приобретает индивидуальность в зависимости от:
- исполнительского стиля певца;
- художественной индивидуальности исполнителя;
- культуры;
- индивидуальности содержания произведения.
Руководствуясь авторскими указаниями, проставленными в нотах, являясь посредником между композитором и слушателями, исполнитель раскрывает, истолковывает, интерпретирует исполняемое произведение, предварительно разобрав, прочувствовав, он правдиво передает его слушателю.
ИНТЕРПРЕТАЦИЯ (от лат interpretatio – разъяснение, истолкование) – художественная трактовка музыкального произведения в творческом процессе исполнения.
ЗАДАЧА ИНТЕРПРЕТАЦИИ – наиболее полно и убедительно раскрыть замысел композитора и поэта. Все это осуществляется исполнителем через его детальную передачу такого понимания слушателю. «Жизнь музыкального произведения – в его исполнении, т.е. раскрытии смысла через интонирование для слушателя», – в этих словах академика Б. В. Асафьева очень точно сформулировано значение интерпретации в искусстве исполнителя. Еще в XVII веке выдающийся певец, преподаватель болонской школы Пьетро Този (1647–1727) утверждал: «Тот, кто соединяет в себе красоту голоса с красотой мысли – самый счастливый певец».
Важно культивировать у юных вокалистов умение раскрывать содержание и основную идею произведения, глубину проживания, простоту и непосредственность в передаче чувств, которые в свою очередь выведут тембр голоса к необходимой интонации смысловой или образной. Певческий голос с его богатейшими тембровыми красками и теплотой становится мощным средством выражения мыслей и тончайших переживаний человека, а сам процесс пения – высокохудожественным творческим актом. Поэтому, прежде чем начать работу над вокальным произведением, певец должен сделать творческий анализ всего произведения, т.е. разобрать его музыкальное и литературное содержание, отметить основные смысловые места. В этом ему значительно помогут авторские указания, которые обычно помещены около нот вокальной партии. Они определяют тембр и характер произведения и служат основным музыкальным ориентиром при разучивании; их необходимо строго соблюдать, чтобы «не разойтись» с авторским замыслом. Ведь певец-исполнитель является «соавтором» композитора и поэта. Исполнитель должен выучить мелодию и слова наизусть, чтобы ощущать их, как свои собственные, и помнить о том настроении, с каким они появились. Большое значение имеет и так называемое «впевание» вокального произведения, когда певец привыкает к правильному ощущению звука, опираемого на дыхание, эмоционально привыкает к музыкальной драматургии и вокальному образу.
ВОКАЛЬНЫЙ ОБРАЗ – воспроизведение голосом явлений действительности и душевного мира человека в музыкальном вокальном произведении. Здесь речь идет о чувстве, настроении, характере людей, красоте природы и т.д. Т.е. о том, что было задумано композитором и поэтом.
Музыкальная драматургия определяет построение, форму и средства выразительности произведения.
Эту работу, которая требует длительного времени, не следует понимать, как механическое повторение всего сочинения от начала до конца. Иногда полезно разбить песню или романс на отдельные музыкальные фразы, обращая особое внимание на места, имеющие трудное вокальное построение. Песни и романсы пишутся на стихотворные тексты, поэтому музыкальная фраза в них, за редким исключением, совпадает с поэтической. Там, где заканчивается одна фраза и начинается другая, легко определяется место для дыхания. Можно вокализировать, т.е. пропеть без слов, мелодию на какую-нибудь гласную. Это поможет лучше почувствовать ее большие интервалы. Освоив трудные места мелодии, следует подключить и слова.
Литературному содержанию вокального произведения необходимо уделить особое внимание. Каждый романс, песня имеют литературное содержание, т.е. несут определенную смысловую нагрузку. К сожалению, очень часто певец, едва выучив мелодию, считает работу над произведением оконченной. А между тем, передача текста в соединении с музыкой является основой творческого акта.
От степени серьезности и углубленности работы над произведением зависит успех будущего исполнения. Певец должен ясно представлять вокальные и художественные задачи. Современное исполнительство, интерпретация произведения требует от певца помимо музыкально художественной одаренности еще и большой культуры. Нужно много читать, обладать ясным пониманием задач искусства, интересоваться творчеством композиторов, писателей, художников, искусством драматических актеров и музыкантов. Исполнителя не должно покидать ощущение тонуса современной жизни, ведь каждое сочинение композитора по-своему отображает и раскрывает богатый духовный мир человека и затрагивает обширную, разнообразную сферу его деятельности. Итак, умение интерпретировать вокальное произведение – главная задача вокалиста.
Исполнительская интерпретация учит:
- как разобрать вокальное произведение (сделать его художественно-исполнительский анализ);
- осмыслить содержание, выстроить музыкальную драматургию;
- определить художественный образ;
- найти правильную интонацию;
- ответить на вопрос: как своими, присущими только вам вокальными и сценическими средствами раскрыть перед слушателями правдиво и убедительно вокальный образ.
В умении передать тончайшие оттенки чувств одним звучанием голоса, и заключается огромная сила искусства пения. Для исполнителя здесь открываются неисчерпаемые возможности эмоционального воздействия на слушателя. Так создается собственная исполнительская интерпретация.
Итак, подобно поэту и композитору, певец должен найти выразительные краски в мелодии, а также нужные, продуманные и «прожитые» только им самим интонации.
В поисках нужной интонации помогают ИНТОНАЦИОННЫЕ ОТТЕНКИ («нюанс», франц. nuance – оттенок).
СУЩЕСТВУЮТ:
1. Динамические оттенки силы звучания:
- forte – громко;
- piano – тихо и т.д.
2. Оттенки характера звучания:
- dolce - нежно;
- Appassionato – страстно;
- Lacrimoso – слезно, плачевно, жалобно;
- Maestoso – величественно, торжественно;
- Malinconia – тоскливо, грустно;
- Mesto – печально, скорбно;
- Misterioso – таинственно;
- Morendo – замирая;
- Ironico – иронически, насмешливо;
- Intimo – задушевно, интимно;
- Ira – гнев, con ira, irato – гневно, раздраженно;
- Grandioso – величественно, возвышенно и т.д.
Исполнителю важно разобрать произведение, понять его, выработать (найти) свое собственное индивидуальное отношение к нему, а также найти вокальный и сценический образ, проявив свои исполнительские качества: голос, технику (вокальную, сценическую), культуру, талант, творчество. Большое значение для разбора, понимания исполнителем произведения имеет:
- изучение эпохи, в которой было создано данное произведение;
- биография композитора, его эстетические взгляды и т.д.;
- критическое сопоставление трактовок данного произведения разными исполнителями;
- обработки.
Аналитический разбор нотного текста:
- приближает нас к адекватному композиторскому замыслу интерпретации, хотя и не гарантирует ее;
- дает ясное представление об особенностях содержаний и формы произведения;
- дает понимание о взаимодействии художественных средств;
- способствует лучшему запоминанию музыкального материала;
- дает осмысление выразительных возможностей элементов музыкального языка;
- расширяет интеллектуальный горизонт;
- помогает исполнителю осознать свое отношение к тому или иному музыкальному произведению, обосновать его, «вжиться» в замысел авторов, сделать их мысли и чувства своими, чтобы затем, в процессе исполнения этого произведения, передать их, «заразить» ими слушателей.
Таким образом, художественно-исполнительский анализ необходим для правильного понимания музыкального произведения в целом.
ПЛАН художественно-исполнительского анализа вокального произведения:
1. Название произведения, год написания, авторы.
2. Исторические данные, критические исследования.
3. Форма, содержание.
4. Анализ поэтического текста.
5. Анализ музыкально-выразительных средств: 1) авторские указания; 2) ладотональный план; 3) мелодия; 4) темп; 5) ритм; 6) динамика.
6. Музыкальная драматургия (интонация, фразировка, кульминация).
7. Функция музыкального произведения.
8. Анализ сценических средств выразительности: мимика, жест, мизансцена.
9. Анализ вокально-технических трудностей.
ПЛАН анализа текста музыкального произведения:
1. Самостоятельное переписывание.
2. Выяснение значения непонятных слов, фраз.
3. Уточнение всех обозначений и ремарок авторов.
4. Выразительное чтение.
5. Определение: 1) содержания произведения; 2) фабулы; 3) обстоятельств (места, времени действия, характера героя); 4) сценической задачи («что я делаю?», «для чего?»).
6. Выстраивание общей (текстовой и музыкальной) драматургии.
ВОКАЛЬНЫЕ СРЕДСТВА ВЫРАЗИТЕЛЬНОСТИ ИСПОЛНИТЕЛЯ
Умение прочесть произведение, когда понятен словесный смысл, проанализирована его музыкальная структура (понятна динамическая и гармоническая основа, мелодическая линия, в которой заложен подтекст) и затем найдены выразительные средства для правильной интерпретации исполняемого произведения – необходимый навык, который молодой вокалист должен в себе культивировать. Ведь художественное исполнение произведения достигается путем поиска необходимых для данного произведения выразительных средств.
К основным средствам художественно-выразительного исполнения относятся:
-тембр;
- темп;
- метроритм;
- артикуляция;
- штрихи;
- динамика, нюанс;
- фразировка.
ТЕМП является очень сильным средством выразительности.
ТЕМП – скорость исполнения музыкального произведения. Если проанализировать термины темповых обозначений, то лишь небольшая часть из них указывает на скорость исполнения. Медленный – говорит о спокойствии, неторопливости, философском раздумье. Средний – о сдержанности, сосредоточенности, размеренности. Быстрый – соответственно, о пылкости, порывистости, легкости, живости, взволнованности. Большинство признаков, лишь косвенно указывая на темп, обозначают характер музыкального звучания (например, «торжественно»).
Исполнитель, следуя указаниям композитора, находит наиболее органичный темп. И все же небольшие изменения темпа во фразах и частях произведения часто необходимы, так как придают музыке живое дыхание, человеческое тепло. Однако надо знать меру, иначе потеряется целостность произведения. Такие отклонения от темпа, обусловленные изменившимся характером музыки, называются АГОГИЧЕСКИМИ НЮАНСАМИ.
У хороших исполнителей даже значительные отклонения от основного темпа не воспринимаются как нарушение логики движения, потому что они естественны.
АГОГИЧЕСКИЕ ПРИЕМЫ:
RUBATO – типичный прием, предусматривающий довольно значительное изменение темпа. Одно из характерных его свойств – сочетание метрической точности с подчёркнутой ритмической свободой внутри тактов. Автор даёт исполнителю возможность найти тот свободный ритм, который вытекает из характера данной мелодии. От того, как исполнитель сумеет найти живое 53 ритмическое дыхание музыки, насколько он прочувствует отклонение от метра, зависит подлинно художественная интерпретация.
ФЕРМАТА – остановка, знак продления звучания. Мера выдерживания ферматы не имеет какой-то определённой нормы. Но обычно короткая продолжительность растягивается более сильно, а большая – менее.
Итак: верный темп – понятие относительное. Один и тот же темп может подходить для одних условий исполнения и быть неприемлемым для других.
Необходимо запомнить! Правильный темп тот, в котором содержание произведения, музыкальный смысл каждой фразы выделяются наилучшим образом!
ДИНАМИКА (от греч., dynamikos – имеющий силу) – степень громкости звучания. Усиление и ослабление звука называется нюансировкой. Умело пользуясь нюансировкой, исполнители создают интересные выразительные краски, дающие возможность наиболее ярко и контрастно оттенять характерные особенности музыкального произведения (crescendo, diminuendo, forte, piano, pianissimo и т.д.). В каждом малейшем звуковом оттенке заложена известная степень эмоционального напряжения, а сочетание этих оттенков создаёт в конечном итоге требуемый образ. Главным критерием правильной нюансировки являются содержание и форма произведения, его структура, характер мелодии.
ТЕМБР – (франц., тimbre – первоисточник; греч., tympanon – тимпан) – индивидуальная окраска голоса, обусловленная структурой голосового аппарата. Тембр – «окраска» или «характер» звука, качество, по которому различаются звуки одной и той же высоты, благодаря чему звучание одного голоса отличается от другого. Влияние на тембр оказывают материал звучащего тела, способ звукоизвлечения, среда, в которой возникает и распространяется звук и т.д. Воздействие тембра на слушателя, как и воздействие динамики, весьма непосредственно и сильно. Тембры могут раздражать, утомлять и успокаивать. Тембр имеет в основном качественную характеристику. Он может быть охарактеризован как светлый, звенящий, скрипучий, свистящий, глухой; может восприниматься как тёплый и холодный, светлый и тёмный, матовый и яркий, ласковый и суровый. И только внутри этой образной характеристики тембру могут быть даны некоторые количественные сравнения (более светлый, менее ласковый и т.д.). Голос, даже при самом сильном пении, должен всегда быть гораздо слабее его предельной возможности, должен литься свободно, без форсирования. В этом и заключается тайна самых знаменитых певцов, очаровывающих непринужденностью и прелестью своего пения Перемена тембра в техническом отношении зависит от перемены формы рта, от точек упора звуковых волн в твёрдое нёбо, от мимики, выражения лица поющего. Пение различных гласных располагает к звуковой пестроте. И здесь важно: сохранить определённую направленность звука, одну певческую позицию на всех гласных. Необходимо добиваться в работе того, чтобы все гласные звучали как бы в одном и том же месте, без провалов и пестроты. Например, можно использовать в классных занятиях пение определенных последовательностей для «удержания» одной позиции на различных гласных звуках, начиная с легко и красиво звучащей гласной; пение последовательности на гласные звуки с постепенным присоединением согласных («ми» – «мэ» – «ма» – «мо» – «му» и т.д.).
Необходимо отметить роль согласных на формирование тембра. В произведениях героического характера согласные произносятся сильнее, более подчеркнуто, чем в произведениях лирических. Юмор, как и героика, требует крепких утрированно подчёркнутых согласных. Существует также определённая связь тембра и интонации. Если голос певца звучит слишком глубоко, без достаточной тембровой яркости, создаётся впечатление нечистой интонации. И, наоборот, светлый тембровый оттенок почти всегда ассоциируется с чистой, высокой интонацией. Интонация как способ воплощения художественного образа всегда сопровождается определённой тембровой окраской голоса. Поэтому, когда вокалист ищет в звучании голоса нужную интонацию, он одновременно должен думать о соответствующем тембре.
При формировании определённого тембрового нюанса, необходим поиск (анализ) в решении следующих вопросов:
- с помощью какого дыхания?
- какой атаки?
- мимики?
- артикуляции? и т.д.
Для этого певцу необходимо хорошее знание особенностей природы певческого звука.
Применением ШТРИХОВ (штрих – приём извлечения и ведения звуков) legato и stacсato можно подчеркивать контрастность мотивов, фраз, предложений, периодов. Каждый штрих имеет целый ряд градаций.
АРТИКУЛЯЦИЯ обладает ярко выраженными формообразующими функциями.
И все же ГЛАВНАЯ ФУНКЦИЯ АРТИКУЛЯЦИИ – расчленение или связывание музыкальной ткани произведения.
Исполнительские приемы – агогические, динамические, тембровые, артикуляционные – сами по себе не решают проблему выразительного пения. Главным, от чего зависит выразительность исполнения, является фразировка.
ФРАЗИРОВКА – способ сочетания звуков, слияния их в интонации, фразы, предложения, периоды. Объединение звуков в завершенные музыкальные фразы или деление фраз осуществляется при помощи темповых, динамических, тембровых изменений, цезур, дыханий. Ведь музыкальное исполнение – живая интонационно выразительная, естественно текущая связная речь – музыкальное повествование, в основе которого лежит владение музыкальной фразой, сочетанием и движением фраз, их выразительностью и смыслом.
Практически вокалист может достичь того или иного изменения структуры с помощью дыхания, сознательно связывая объединения отдельных построений в единое, целое пространство (подключая темп, нюанс, тембр) либо дробя целое на отдельные куски (используя темп, цезуры, динамику, тембр). Поэтому нужно внимательно относиться к расстановке дыхания как формообразующему фактору. Нередко из-за частых смен дыхания меняется направление фразы, большая смысловая музыкальная фраза разрывается на ряд механически соединенных двухтактовых или трехтактовых предложений. После того как определены границы фраз и предложений, выяснены средства объединения или деления, певцу необходимо разобраться во внутреннем построении фраз и предложений, найти кульминацию, главную «вершинную» точку фразы – интонационную точку («особую точку тяготения», влекущую к себе»).
ДЛЯ ВЕРНОЙ И ВЫРАЗИТЕЛЬНОЙ ФРАЗИРОВКИ нужно отчетливо понимать «Куда стремится фраза?», «Где ее вершина, кульминация?» Нужно найти логику мелодического движения, добиться того, чтобы фраза представляла собой единое органическое целое, а не ряд различных звуков.
Другая важная задача – связь фраз между собой. Исполняя музыкальную фразу, никогда нельзя забывать, что перед ней и после нее есть другие, с которыми она должна быть согласована. Если фраза не будет соответствовать соседним фразам и станет не в меру самостоятельной, то это нарушит органическую связь музыкальной речи. Ни одна кульминация фразы не должна звучать столь ярко (так же как центральная). Все кульминационные моменты подчинены центральной кульминации – главной смысловой «вершине» произведения.
СЦЕНИЧЕСКИЕ СРЕДСТВА ВЫРАЗИТЕЛЬНОСТИ ИСПОЛНИТЕЛЯ
Чтобы быть убедительным и правдивым на сцене во время исполнения произведения, певец должен овладеть не только вокальной, но и сценической техникой. Она не менее важна, ее надо вырабатывать, развивать. Чтобы выражать, надо знать «что?» и уметь «как?». Не обладая достаточной техникой, поющий актер бывает беспомощным на сцене. Вот почему нужно не только знать, но и умело использовать средства сценической выразительности, которые помогают певцу на сцене правдиво раскрыть, эмоционально выразить образ.
К сценическим средствам выразительности относятся ЖЕСТ, МИМИКА, МИЗАНСЦЕНА, ГРИМ, КОСТЮМ.
СЦЕНИЧЕСКИЙ ЖЕСТ – внешнее проявление чувств, отражаемых в поступках, в действии (не следует смешивать с жестикуляцией). Говоря о жестах, мы имеем в виду взгляд, поворот головы, движение плеч, рук, танцевальные движения и т.д. Правило драматических актеров – «ни одно движение на сцене не должно быть бесцельным» «Нет ничего хуже, неоправданного жеста», – утверждал французский певец, оперный деятель Франсуа Дельсарт. Оправданный целесообразный жест, правдиво и естественно выражающий содержание – вот цель, которую должен ставить перед собой каждый исполнитель, т.к. именно правильный жест усиливает значение слова, а неправильный – его ослабляет.
СЦЕНИЧЕСКИЙ ЖЕСТ – это не просто размахивание руками. Поэтому говоря о жестах, мы подразумеваем движения, действия, связанные с определенными настроениями и выражающие их характер. Естественно, руки имеют большую выразительную силу: руками человек просит, дает, приветствует, угрожает, указывает, защищается и т.д. Исполнитель особенно должен следить за их жестикуляцией (движение рукой, сопровождающее или заменяющее вербальное сообщение), контролировать ее, чтобы руки не болтались бесцельно, как ветряная мельница или не висели бы безучастно как плети.
МИМИКА ЛИЦА. Лицо является одним из тончайших выразительных средств, а потому необходимо приучить себя свободно пользоваться мимикой своего лица. МИМИКА – выражение лица при различных настроениях. Выразительная мимика раскрывает без слов целую гамму чувств или, как говорил Станиславский, «жизнь человеческого духа». Глядя на актера во время пения, восхищенный зритель думает: «Какое одухотворенное лицо» и вызывает зрительское разочарование и раздражение мертвая «маска» на лице исполнителя, если он поет при этом о каких-то чувствах! Актера никогда не должно покидать чувство меры и художественного такта, а главное – чувство художественной правды.
ГРИМ, КОСТЮМ – неотъемлемые части образа, которые исполнитель должен сам увидеть, прежде чем представить его перед зрителем. Видеть создаваемый образ обязан каждый художник. Прежде чем выйти к зрителю, артист обдумывает и репетирует все до мелочей:
- анализирует произведение;
- заботится о голосе;
- мысленно проверяет мизансцены;
- неоднократно примеряет костюмы (чтобы они стали «своими» как и весь образ). В такой же мере следует обдумать (совместно с художником или преподавателем) грим или макияж.
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
СЦЕНИЧЕСКОЕ ВОПЛОЩЕНИЕ ОБРАЗА ВОКАЛЬНОГО ПРОИЗВЕДЕНИЯ
Когда слушаешь музыку, получаешь наслаждение и не задумываешься о том, какая в этой музыке художественная организация, структура. Это мы себя ведем как слушатели. Мы просто получаем эстетическое наслаждение. А исполнителю, перед тем как вынести произведение на суд зрителя, предстоит колоссальная работа:
- «разобрать» произведение;
- разучить;
- понять, воспринять, пережить;
- найти вокальный и сценический образ и т.д.
Таким образом, на первом этапе работы предстоит анализ произведения. Анализируя произведение, мы, прежде всего, достигаем результата художественно организованного развития, который выражается в построении, структуре целого и его частей, в распределении музыкального материала, определении музыкальной формы.
Первая и главная особенность содержания музыки - это отражение внутреннего мира человека со всем богатством и разнообразием его состояний и чувств, переживаний и раздумий. Слово привносит ту конкретность в содержание, которая не свойственна музыке в «чистом» виде. Другая особенность содержания определяется его интонационной формой. Как известно, интонация – сопутствующий компонент естественной человеческой речи. Она уточняет, конкретизирует смысл, заключенный в словах. Интонация без слов сохраняет лишь самые общие свойства высказывания. Слушая речь или пение на незнакомом языке, все-таки можно правильно почувствовать ее тон – спокойный или взволнованный, повествовательный или возмущенный, можно точно отличить вопрос от утверждения, жалобу от приказа и т.д.
Понятно, что вокальное искусство, основу которого составляет интонация, предполагает и выражение содержания в конкретном, детализированном, подробном виде. Отсюда огромная роль исполнителей, высокая степень их соучастия в создании музыкального образа.
Начинающие певцы ощущают на сцене известную скованность. Это происходит из-за отсутствия сценической техники. До появления на сцене неопытный певец-актер не задумывается над своими движениями, жестами, походкой, сообразно настроению меняет выражение лица: улыбается, хмурится, хитрит, раздумывает, негодует, радуется. Но стоит ему появиться на сцене, и сразу исчезает непосредственность. Он становится «человеком в футляре». Скованность и неуклюжесть приходят на смену свободе и легкости. И это характерно почти для каждого начинающего исполнителя.
Певец, выходя на сцену, должен быть вооружен всеми необходимыми вокальными и сценическими средствами выразительности для полного, яркого воплощения содержания исполняемого произведения. АРТИСТ ДОЛЖЕН НЕ ТОЛЬКО ПРАВИЛЬНО ПЕРЕЖИВАТЬ НА СЦЕНЕ, НО И ПРАВИЛЬНО ВЫРАЖАТЬ СВОИ ПЕРЕЖИВАНИЯ! Чтобы быть убедительным и правдивым на сцене необходимо овладеть не только вокальным мастерством, но и сценической техникой. Она не менее важна, ее надо вырабатывать и развивать. Чтобы выражать - надо знать (что?) и уметь (как?). Вокальная и сценическая выразительность являются двумя неразрывными компонентами.
СОЗДАТЬ СЦЕНИЧЕСКИЙ ОБРАЗ - это значит, что недостаточно, разобрав произведение, изучив данного героя, передать его чувства. Образ должен быть не только художественным, но и типичным, то есть чувства эти должны быть не наиграно-показными, а естественными, понятными, типичными для слушателя. Жить на сцене необходимо жизнью образа. Когда исполнитель знает об образе то, чего нет в произведении, когда он представляет себе всю жизнь образа, то исполняя на сцене в произведении часть этой жизни, он будет гораздо убедительнее того исполнителя, который знает только то, что дано в произведении, не прочувствовав достаточно образ. Исполнитель обязан по-настоящему увлечь свое внимание тем объектом, в котором живет образ, быть свободным, естественным на сцене.
Исполнителю необходимо приходить на занятия с единственной целью – ТВОРИТЬ. Предрасположение к поискам нового, готовность к творческой работе – это первое, что должен приносить с собой исполнитель.
Музыкальное, вокальное, сценическое раскрепощение создает необходимые предпосылки для творчества. Когда технические трудности позади, наступает подлинная свобода. Актер имеет полную возможность жить в образе. В использовании исполнителем этой возможности и заключается магическая власть артиста – способность с первых звуков переселить слушателя в ту особую атмосферу, которая составляет задачу исполняемой музыки, в то особенное настроение духа, которое называется поэтическим смыслом пьесы, и держать слушателя под магнетическим обаянием от первого звука до последнего.
Список литературы:
Старовойтова Е.Е. «Исполнительская интерпретация», г. Луганск, 2010г.
Сохор А. Н. «Музыка как вид искусства», г. Санкт-Петербург, 1970.
Живов В. «Средства выразительности исполнителя» В кн. «Исполнительский анализ хорового произведения», г. Москва 1987.
Назаренко И. К. «Искусство пения», г. Москва, 1968.
Оголевец А. С. «Специфика выразительных средств музыки», г. Москва, 1969.
Назайкинский Е. « Музыкальное искусство и наука» – Вып. 2. г. Москва, 1978.
Ройтерштейн М. И. «Основы музыкального анализа», г. Москва, 2001.
